EL REVELADOR KODAK D-76 SE CONSERVA POR AÑOS!

Una muy interesante columna donde se analiza la capacidad de conservación en el tiempo, de los reveladores en polvo, realizando una prueba de revelado con un paquete de Kodak D-76 de hace 64 años. Quieres saber que pasó? Lee a continuación.

UNA BIBLIA PARA LOS FOTÓGRAFOS: THE DECISIVE MOMENT de Henri Cartier Bresson

El libro THE DECISIVE MOMENT del fotográfo Henri Cartier Bresson debe ser uno de los fotolibros más importantes del siglo XX. La edición de STEIDL de abril 2018 incluye un folletín escrito por el respetado historiador y comisiario de fotografía francés Clement Cheroux.

Reproducimos en este artículo el texto íntegro de dicho folletín, con la única intención de compartir con los amantes de la fotografía la historia de la creación de un libro único y clave para el arte contemporáneo.

A BIBLE FOR PHOTHOGRAPHERS: Por Clément Chéroux

DE QUÉ SE TRATA

«El retrato es una de las cosas más difíciles para mí», dijo Henri Cartier-Bresson; es como colocar «un signo de interrogación sobre alguien». Su finalidad es captar «el reflejo de un mundo exterior e interior», y para ello debe «introducirse entre la camisa y la piel» una cámara fotográfica. «Esto es muy difícil.» Si bien hacer el retrato de un ser vivo es una tarea ardua, ¿qué se puede decir de retratar un libro? El objeto libro debe ser considerado primero en su materialidad: espesor, aspecto exterior, manejo, maquetación, calidad de impresión, etc. Lo que también debe contemplarse es su «silencio interior», otra expresión que le gustaba utilizar a Henri Cartier Bresson al referirse al retrato. , con lo que se refiere a comprender lo que está en juego en su proceso, ya sea en referencia a la obra del autor, la historia en general o la historia de la publicación de fotografías. Eso también es bastante difícil. Más aún tratándose de una publicación de tanta importancia histórica como El Momento Decisivo, la primera publicación real de Cartier-Bresson, un modelo del tipo descrito por Robert Capa como «una Biblia para los fotógrafos». Llevar a cabo con éxito esta delicada exégesis significa presentarse » entre la camisa y la piel», como recomendaba Cartier-Bresson para los retratos. En otras palabras, es necesario leer entre líneas, las páginas, las imágenes, que es lo que buscaré hacer aquí.

UN DESEO DE LIBROS

“Si bien nuestras impresiones son hermosas y están perfectamente compuestas (como debe ser), no son fotografías para salones […] Al final, nuestra imagen final es la impresa”, explicó Cartier-Bresson en 1951. El fotógrafo ciertamente nunca desaprovechaba una ocasión para exhibir sus imágenes, pero en aquellos días favorecía la publicación en prensa y en libros. Sin embargo, según una carta a Marc Riboud, Cartier-Bresson estableció una distinción entre estos medios: «Las revistas terminan envolviendo papas fritas o tiradas a la basura, mientras que los libros quedan». Además, siempre se sintió frustrado por no poder dar seguimiento a la selección, secuenciación y maquetación de sus imágenes en su trabajo para prensa. Expresaría el sentimiento de ser despojado de sus imágenes a través de una metáfora literaria: «Las palabras son las del fotógrafo, pero el fraseo es el de la revista».Para este ávido lector, apasionado por la literatura y considerado a sí mismo como autor en el sentido literario del término, el libro prevalecía sobre cualquier otra forma. Esto explica por qué, muy pronto, Cartier-Bresson buscó hacer libros de fotografía, aunque todavía era inusual en ese momento. Ya en 1933, inició un proyecto con Jean Cocteau que lamentablemente nunca se llevó a cabo. Cartier-Bresson conoció entonces a Tériade, con quien planeó producir un libro sobre París que nunca llegó a buen término. Después de la guerra, realizó un largo viaje con el escritor estadounidense John Malcolm Brinnin a los Estados Unidos con el propósito de publicar un libro que iba a diseñar Alexey Brodovitch, director artístico de Harper’s Bazaar, pero el proyecto fue abandonado. Luego intentó relanzarla en Francia con Jean Paulhan y Jean-Paul Sartre, pero fue en vano”. A excepción de un pequeño catálogo con algunas imágenes para la exposición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1947, y un folleto titulado Beautiful Jaipur, con imágenes tomadas en el lugar y publicado al año siguiente por las autoridades locales, The Decisive Moment es de hecho el primer libro real de Cartier-Bresson.

CRONOLOGÍA DEL PROYECTO

La correspondencia de Cartier-Bresson contiene menciones iniciales del libro que se convertiría en El momento decisivo en la primavera de 1951. El 4 de mayo, Tommy, asistente de la oficina de Magnum Photos en París, le escribió a Cartier-Bresson que había comenzado a reunir una «selección de fotografías para Watkins […] con el fin de mostrar a un posible editor el alcance de su libro así como su calidad». Poco antes, Cartier-Bresson se había puesto en contacto con Armitage Watkins, un agente literario con sede en New York quien después de algunas consultas había indicado que Richard L. Simon de Simon and Schuster Publishing estaba interesado en un libro con sus fotografías y deseaba ver un proyecto». En junio de 1951, Cartier-Bresson estaba en Saint-Jean-Cap-Ferrat en La villa de Tériade. Es muy probable que en este momento el proyecto de libro que ambos discutían desde la década de 1930 encontrara su forma concreta en la perspectiva de una coedición franco-estadounidense. Tériade se puso en contacto con Simon en los meses siguientes. Cartier-Bresson entonces comenzó a trabajar por su cuenta en una selección de imágenes a principios de 1952. El 21 de enero, le escribió a Tériade: «Estoy archivando mis imágenes e investigando en el archivo». Dos días después, agregó en otra carta: «Todo está bien . Encontré una buena cantidad de imágenes en mi archivo de EE. UU., y pronto buscaré en el oriental». En las siguientes semanas, comenzó a escribir la introducción con la ayuda de Marguerite Lang, una de las colegas de Tériade. A fines de marzo, el prefacio estaba listo y traducido; Luego se prepararon tres copias de la maqueta  en un tiempo relativamente corto. El título en francés sería Images à la Sauvette”. Durante las vacaciones de Pascua a mediados de abril, Cartier-Bresson mostró la maqueta a Matisse y es muy probable que en esta ocasión el pintor diseñara la portada del libro (fig. 1). A fines de abril, Simon estuvo en París para discutir el acuerdo de coedición, reunirse con el impresor Draeger y entrevistar a Cartier-Bresson para su epílogo a la edición estadounidense. El libro se imprimió el 22 de julio y se lanzó oficialmente tanto en Francia como en en los Estados Unidos el 15 de octubre de 1952. Por cierto, y bastante irónicamente para un fotógrafo, Cartier-Bresson sufría de una severa conjuntivitis en ese momento en particular.

Fig. 1 Henri Cartier Bresson , Tériade Showing the cover designed by Henri Matisse for the The Decisive Moment, 1952, Collection Fondation HCB
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EL OJO DEL FOTÓGRAFO: JOHN SZARKOWSKI

«El Ojo del fotógrafo» de John Szarkowski , es un libro clásico del siglo XX y una introducción indispensable al lenguaje visual de la fotografía. Está basado en una exposición histórica realizada en el Museo de Arte Moderno en 1964, y fue publicado originalmente en 1966.

John Szarkowski fue un fotógrafo, conservador, historiador y crítico de arte estadounidense. Entre 1962 y 1991 fue director de fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Dado lo interesante de los conceptos analizados por Szarkowski en esta introducción, respetuosamente nos hemos permitido reproducirla, solo para fines de estudio y motivacionales.

El libro se puede comprar en amazon aquí.

Traducción realizada en Google.

Introducción

Este libro es una investigación sobre cómo se ven las fotografías y por qué se ven así. Tiene que ver con el estilo fotográfico y con la tradición fotográfica: con el sentido de las posibilidades que un fotógrafo hoy da a su trabajo.

La invención de la fotografía proporcionó un proceso de creación de imágenes radicalmente nuevo, un proceso basado no en la síntesis sino en la selección. La diferencia era básica. Se hicieron pinturas —construidas a partir de un depósito de esquemas, habilidades y actitudes tradicionales— pero se tomaron fotografías, como dijo el hombre de la calle.

La diferencia planteó una cuestión creativa de un nuevo orden: ¿cómo se podía hacer que este proceso mecánico y sin sentido produjera imágenes significativas en términos humanos, imágenes con claridad y coherencia y un punto de vista? Pronto se demostró que aquellos que amaban demasiado las formas antiguas no encontrarían una respuesta, ya que en gran parte el fotógrafo estaba desprovisto de las viejas tradiciones artísticas. Hablando de la fotografía decía Baudelaire: “Esta industria, al invadir los territorios del arte, se ha convertido en el enemigo más mortal del arte”. 1 Y en sus propios términos de referencia, Baudelaire tenía razón a medias; ciertamente el nuevo medio no podía satisfacer los viejos estándares. El fotógrafo debe encontrar nuevas formas de aclarar su significado.

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¿POR QUÉ ANÁLOGO?

¿Qué hace que una persona del siglo XXI deje de lado las ventajas del proceso digital de captura de imágenes y opte por la fotografía análoga? ¿Porqué elegir una tecnología que tiene décadas de antiguedad , y que a todas luces parece más engorrosa y difícil?

¿Se trata de un asunto de moda o hay algo más? Estas son preguntas que me hacía cuando observaba a los jóvenes que acudían a los talleres de revelado analógico que tuve la oportunidad de realizar hace un tiempo atrás.

Río Claro, Yumbel, Chile. Junio 2019 – Cámara Leica M3 – Película HP5

Creo que las respuestas a estas preguntas, no tienen que ver con una cuestión de romanticismo o un simple afán de diferenciación. Menos con un simple aspecto técnico. Las explicaciones hay que buscarlas en aspectos más profundos que se relacionan ,a mi juicio, con cierto agotamiento que produce el modelo digital de fotografía y la necesidad de volver a cosas esenciales:

CAMBIAR DE RITMO
La fotografía análoga nos permite ir más lento, bajar de revoluciones en un mundo digital que va a toda velocidad.

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HOJAS DE CONTACTO: ALBERTO KORDA y SU FAMOSA FOTO DEL CHÉ.

A inicios de Marzo de 1960, a casi un año desde la toma del poder por Fidel Castro y sus guerrilleros, el carguero francés La Coubre de la compañía “General Transatlantic” arribó al puerto de La Habana. Transportaba una segunda carga de municiones que los cubanos habían adquirido desde Bélgica, a pesar de la oposición de Washington.

El 4 de Marzo , dos enormes explosiones sacudieron la ciudad. El ataque mató 81 trabajadores del puerto e hirió a otros 200. Fidel culpó a la CIA y su carnicería puso fin a cualquier esperanza de reconciliación con los Estados Unidos.

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Al día siguiente,  durante el funeral de las víctimas en el cementerio de La Habana, Alberto Korda estaba allí para el periódico “Revolución”. Tomó fotos de Fidel Castro durante su furioso discurso, algunas del Ché Guevara, y otras de Jean Paul Sartre  y Simone de Beauvoir, intelectuales franceses que habían arribado a Cuba.

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Recuerda Alberto Korda:

 “Al pie del podio, envuelto en crepe negro, mi ojo presionaba a mi vieja Leica M2,  (cargada con película KODAK plus Xpan). Me centraba en Fidel y las personas que lo rodeaban. De repente, a través de la lente de 90 mm, ví que el Che apareció sobre mí.

 

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Me sorprendió su mirada. Por reflejo, disparé dos veces: una toma horizontal y otra vertical. No tuve tiempo suficiente para tomar una tercera foto, ya que retrocedió discretamente a la segunda fila.

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De vuelta en mi estudio, desarrollé la película e hice algunas impresiones para «Revolución». Como había una cabeza sobre su hombro en la toma vertical, recorté la foto horizontal. El Editor en jefe decidió publicar una foto de Fidel en la primera página, pero a mí me gustó tanto el retrato del Che que luego hice una impresión más grande, de 11 por 14 pulgadas, y la colgué en mi estudio”.

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Esta legendario recorte se convirtió con el paso de los años en una fotografía clave de los años 60 y 70, y acaso, en una de las imágenes más icónicas del siglo XX.

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LIBRO: Oscar Wittke: Cerros de Humo. Valparaíso (1979-2016)

Varias veces tuve este libro en mis manos, y debo confesar que, luego de hojearlo, el deseo por tenerlo me consumía.

Sin embargo, por pitos y flautas, siempre había algo que me aguaba la fiesta. Siempre había un gasto extra que hacer , y ustedes entenderán  que la mayoría de las veces, un presupuesto escaso no permite desviaciones.

Hoy,  sin mayor pretensión, salimos a dar una vuelta, a hacer algunas compras domésticas.  Casi sin querer , me ví afuera de la librería, como teletransportado. Entré y me dirigí, como siempre, de cabeza al anaquel de libros de fotografía.

Y allí estaba esta verdadera joya, haciéndome guiños.  No lo pensé más, lo llevo, ya suficiente me había hecho sufrir. Continuar leyendo «LIBRO: Oscar Wittke: Cerros de Humo. Valparaíso (1979-2016)»

HOJAS DE CONTACTO: MARTINE FRANCK

Texto extraído del Libro: «MAGNUM CONTACT SHEETS«.

MARTINE FRANCK : Le Brusc, 1976.

«La recién creada Fondation Nationale de la Photograhie, dirigida en ese entonces por Pierre de Fenoyl, me había encargado un reportaje sobre las vacaciones de los franceses.
Mi amigo , el arquitecto Allain Capeillères, me pidió que tomara algunas fotografías de su piscina, recientemente terminada y que había diseñado para Lucille, su esposa.»

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Martine Franck, 1976.

«Recuerdo muy bien como corrí para lograr la imagen, mientras cambiaba los parámetros de mi Leica M3 (utilizaba un objetivo de 50mm y película Kodak Tri X) y dudaba si un diafragma f16 y una velocidad de 1 milisegundo sería lo adecuado. La luz del sol sobre los azulejos blancos era muy intensa y casi cegadora. Recuerdo que el hombre del fondo estaba haciendo flexiones y yo esperaba que estuviera en una posición tensa. Solamente disponía de tiempo para hacer cuatro disparos, y entonces el joven de la hamaca se volvió y me vió, con lo que ya todo había terminado.»

«Ésta es la emoción de tomar fotografías sobre la marcha. Uno graba la imagen intuitivamente y un instante después la composición perfecta ha desaparecido y ya no está allí.

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Sólo cuando revisas las hojas de contactos puedes constatar como se desarrolló la escena en el tiempo, y ésta es la razón por la que las hojas de contacto constituyen una fuente inagotable de fascinación para todos los interesados en la fotografía. Escogí precisamente esta imagen porque todos los elementos estaban en su lugar. No había otra elección. Era evidente desde el primer momento cuál era la imagen que debía imprimir, y únicamente había una».

NOTA: Este texto se reproduce en este blog, sólo con fines culturales y de motivación artística. No hay otra intención. Se recomienda a los lectores interesados , la adquisición de este extraordinario libro.

 

LAS ULTIMAS FOTOS DE ROBERT CAPA

25 de Mayo de 1954.
La Guerra de indochina , que enfrentó a Francia contra las tropas de Ho Chi Minh, por la independencia de Indochina, ya casi termina. Robert Capa acompaña a una expedición del ejército francés junto con otros corresponsales más por una peligrosa zona bajo fuego de las tropas del Viet Minh.

Capa porta dos cámaras telemétricas:
Una Contax IIa Black Dial formato 24 x 36 mm hecha en la fábrica Zeiss Ikon A.G de Stuttgart (Alemania Federal) con objetivo Carl Zeiss Jena Sonnar 50 mm f/2 T y película monocroma Kodak Super-XX High Speed ISO 250 y una Nippon Kogaku Nikon S formato 24 x 34 mm con objetivo Nikkor-S.C 5 cm f/1.4 y película de color Kodachrome K-11 ISO 12.

CONTAX IIa WITH CARL ZEISS JENA SONNAR 5 CM F2

NIKON S WITH 5 CM F1.4 LENS

Faltan aproximadamente cinco minutos para las 15:00 h de la tarde y Capa hace sus dos últimas fotografías:

a) Una en color con su Nikon S en la que capta desde atrás a 17 soldados de la columna francesa (uno de ellos, situado a la izquierda de la imagen es un soldado de transmisiones equipado con radio, mientras que el situado a la derecha más próximo a la cámara lleva un detector de minas) así como un tanque que se vislumbra al fondo ligeramente a la derecha.

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b) Otra en blanco y negro hecha con su Contax IIa en la que capta también desde atrás a nueve soldados de la columna francesa. Esta es la última foto hecha por Capa, segundos antes de pisar la mina, ubicada en la pendiente que se aprecia a la derecha justo tras el pequeño dique.

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Capa decide avanzar hacia una zona de pendiente, probablemente con la intención de sacar más fotos desde una posición más elevada, y al comenzar a subir por ella pisa una mina antipersonal. La explosión le arranca la pierna izquierda prácticamente de cuajo y le abre una enorme herida en el pecho.

La onda expansiva lanza su Nikon S a varios metros de distancia , mientras Capa, inconsciente y tumbado de espaldas sobre el suelo, tiene su mano izquierda aferrada a su cámara Contax IIa con la que ha hecho su última foto, en blanco y negro.

Capa ha perdido mucha sangre y está agonizando. Una ambulancia lo lleva al puesto de primeros auxilios más cercano ubicado en el fuerte de Dongquithon, 5 km atrás, donde un médico vietnamita certifica su muerte.

Sus últimas fotos se pueden ver en el archivo de la Agencia MAGNUM:
https://pro.magnumphotos.com/…/1954/INDOCHINA-1954-NN142443…

Narración de los últimos momentos de vida de Robert Capa tomada de:
http://elrectanguloenlamano.blogspot.com/…/robert-capa-cent…

#Fotografiaanalogica #RobertCapa #Historia #Magnum

DOCUMENTAL: LA MUERTE DE KEVIN CARTER

Kevin Carter fue un reportero gráfico sudafricano, miembro de un grupo de fotoperiodistas blancos llamados “Bang Bang Club”.

Gran parte de su carrera como foto-reportero estuvo dedicada a cubrir las violentas consecuencias del APARTHEID, la política de segregación racial que imperó en Sudáfrica hasta principios de la década de los 90.

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Carter fue ganador del premio Pulitzer en 1994, con la célebre y cuestionada foto de a un niño sudanés, que yacía famélico, ante la amenazadora mirada de un buitre.

Kevin sufría de depresión y consumía drogas. La etapa final de su vida estuvo marcada por una profunda crisis ética personal, en torno a las fotografías que hizo durante gran parte de su carrera.

Se suicidó en Julio de 1994, a la edad de 34 años, poco tiempo después de recoger el premio Pulitzer.

“Ante todo, he de decir que lo siento, lo siento mucho, he llegado a un punto en el que el dolor de la vida supera con creces a las alegrías en el que la dicha ya no existe. Me persiguen los recuerdos de las masacres y los cuerpos…” (Kevin Carter).

Título original: The death ok Kevin Carter
Director: Dan Krauss
Duración 27 minutos
Año: 2004

 

SEPTIEMBRE

Este post merece una explicación previa, pues aunque no tiene que ver directamente con fotografía, de una forma o de otra, sí se relaciona con ella , pues tiene que ver con la Memoria.

En lo personal, Septiembre ha sido desde siempre, un mes de emociones encontradas.

Es que, junto a  la belleza y el colorido clarear de cada primavera, la emoción, la nostalgia, la alegría , la rabia , se mezclan en mí, en una extraña combinación, de recuerdos personales y vivencias colectivas.

Hoy , cuando miro de reojo y veo a mis hijos a mi lado, no puedo dejar de pensar en aquellos a los cuales, bajo la forma de la muerte o del exilio, la brutalidad del poder militar , les arrebató el derecho al futuro y a la felicidad.

Cada Septiembre, cuando la festiva marea de patriotismo nacional se confunde con una vorágine alienante y consumista , envolviendo todo y olvidando a tantos, mi homenaje se dirige hacia aquellos que no están.

Entierro de Chavez Sosa
Afiches de Desaparecidos bajo la Dictadura Militar Chilena

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Memorial de Villa Grimaldi, Santiago.